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Ralph Vaughan Williams | Fantasia on a theme by Thomas Tallis

Christoph Müller-Girod — Sun, 07 Jun 2009 09:46:08 +0000

Foto: Christoph Müller-Girod, Probe Kongresszentrum Vilnius
Eigentlich seien alle bekannten Stücke des Komponisten ja eigentlich gar nicht die seinen, scherzte man über den Komponisten Ralph Vaughan Williams.

Zugegeben: Seine großen Erfolge sind immer noch die English Folk-Song Suite, die Fantasia on Greensleeves, the Five Variants on Dives and Lazarus und ebend dies Werk. Alle haben gemeinsam, dass die Themen selbst nicht vom Komponisten stammen, aber es macht diese Werke natürlich nicht weniger zu Vaughan Williams als die Bearbeitung von “Ein feste Burg ist unser Gott” durch Bach oder Mendelssohn Bartholdy zu deren eigenen Werken.Wer aber war eigentlich dieser Thomas Tallis auf den sich Vaughan Williams mit seiner Fantasia bezieht? Viel weiß man nicht über ihn. Vermutlich um 1505 geboren liegt seine frühe Jugend im Dunkeln der Geschichte. Belegt ist jedenfalls: Von 1532 bis 1540 Organist an der der Benediktiner-Abtei Waltham nördlich von London. Eine Zwischenstation war die Kathedrale von Canterbury, nachdem Heinrich VIII. das Kloster Waltham auflöste. Vierzig Jahre wird er dann das Amt eines „Gentleman of the Chapel Royal” innehaben. Tallis Werk umfasst einerseits lateinische Messen und Motetten, wobei er nach der Reformation zwar kein weiteren Messen mehr schrieb aber weiterhin bei den lateinischen Motetten blieb.Vaughn schrieb die Fantasia im Jahre 1910, überarbeitete sie aber noch zweimal: 1913 und 1919. Das Werk spiegelt die Monate wieder, die Vaughan Williams im Jahr 1908 in Paris bei Ravel verbrachte. Zudem hatte Vaughn schon im Jahr 1906 ein neues Gesangbuch für die anglikanische Kirche editiert. So fand Vaughan Williams wohl Tallis’ Why Fumeth in Fight, die dritte von neun Psalmvertonungen von 1567, geschrieben damals für Archbisop Parker’s Psalter. Und machte dieses Thema zur Basis der Fantasie.Diese ist übrigens tatsächlich ein Meilenstein – denn seit diesem Werk ändert sich die Orchestration. Williams, der sich früher eher an seinen Lehrer Parry hielt – und der wiederum sich an Brahms – so setzt nach den drei Monaten mit Ravel in Paris ein Wandel durch. Die Gegenüberstellung von Klangfarben taucht jetzt in seinem Werk auf.Und diese Gegenüberstellung macht sich in der Fantasia schon bemerkbar. Denn Vaughan Williams schrieb das Werk zwar für Streicher, teilte diese aber in drei Gruppen auf:1.) Eine Hauptgruppe2.) Eine kleinere Gruppe von 9 Streichern – allesamt bis auf auf den Baß zweimal besetzt3.) Ein StreichquartettEs kann sein, dass Vaughan Williams diese Idee von Elgars “Introduction and Allegro for string orchestra and string quartet” (1905) hernahm, das Werk kannte er. Während Elgar aber in der Romantik verwurzelt ist, nahm Williams die Kirchentonart des Tallis-Themas zum Anlaß aus diesem – wie er es formulierte - harmonischen cul-de-sac der Romantik auszubrechen. Zudem gelang es ihm den Geist des Madrigals auf diese Weise einzufangen. Bis heute ist die Fantasia eines der bekanntesten Werke von Vaughan Williams – und bewahrt auf diese Weise den Namen eines Mannes, den wir sonst nicht kennen würden. Thomas Tallis.Logo: Susanne Hayduk

TOURNEE 2009 | Tagebuch | 06.06.09

Christoph Müller-Girod — Sun, 07 Jun 2009 07:28:12 +0000

Der heutige Tag lag zwischen 2 Welten die treffender nicht zusammen passen: Klassik und Natur. Vereint wurden sie durch Menschen, die in beiden Welten daheim sind: Unsere MusikerInnen. Weiter zur Diashow…

Am Morgen fand eine höchst interessante Probe statt, bei der Musiker des Staatlichen Litauischen Sinfonie Orchester und der Duisburger Philharmoniker zusammen für das Konzert probten. Ich denke, die Bilder sprechen für sich und erzählen, wie entspannt und harmonisch die Atmosphäre war.Nach der Probe standen schon Busse bereit und unter der informativen Leitung von Frau Maus ging es zur Saisonabschlussfeier der Duisburger Philharmoniker nach Traikai. Neben dem berühmten Schloss gibt es dort auch mehrere Seen und an einem besonders eindruckvollen war bereits ein Buffet mit einheimischen Spezialitäten aufgebaut. Bis zum Sonnenuntergang wurde am Ufer und auf dem Steg der letzten Spielzeit gedacht und viel geredet und gelacht. Aber immer wieder lies die Natur die Menschen schweigen denn keine Sprache oder Musik konnte die Schönheit der Landschaft wiedergeben.Logo: Susanne Hayduk

Tourneemusik | Tschaikowski | Serenade für Streicher op. 48

Christoph Müller-Girod — Sun, 07 Jun 2009 00:00:00 +0000

Foto: Christoph Müller-Girod, Probe Kongresszentrum Vilnius
Eine Serenade – das ist Musik, die draußen gespielt wird und heiteren und lieblichen Charakter hat. Musik, die an Sommerabenden gespielt wird und die schnell ins Ohr geht – und meistens, das muss man dann auch eingestehen, wieder aus dem selbigen verschwindet. Meistens überdauern diese Gelegenheitswerke auch nicht die Zeit. Außer der Komponist heißt Mozart oder Tschaikowsky.

Beide Komponisten in einem Satz zu nennen fällt beim Op. 48 nicht schwer – nicht nur weil die Gattungsbezeichnung selber beide verbindet, auch weil Tschaikowsky sich ausdrücklich auf sein Vorbild Mozart für dieses Werk bezogen hat. Zugegeben: Von der Gestaltung her ist der erste Satz eher nicht mozartisch. Denn anders als im ersten Satz einer Sonate fehlt hier die Durchführung, die Bearbeitung des Hauptthemas. Es ist also keine strenge Nachgestaltung, sondern eher eine freie Annäherung geprägt von Tschaikowskis Stil. Um die Form der Serenade zu wahren wird dieses Thema am Schluß des Werkes wiederholt werden.So wie Mozart selbstverständlich das Menuett einband, so scheinbar selbstverständlich ist der Walzer, der in der Serenade zu hören ist. So typisch – ja – Tschaikowski. Rauschend wie man sich die Ballnächte vorstellen kann. Aber wie die Unruhe der Uhr, die diese in Bewegung hält, so schleicht sich auch etwas Unruhe in den Mittelteil ein. So, als ob die Ballnacht durch eine Kleinigkeit, die man allerdings nicht benennen kann, gestört wird. Tschaikowski selbst gestand, dass er zwar Walzer lieben, sich in Gesellschaft aber nicht so ganz wohl fühlen würde. Ein Widerhall davon ist in dieser Serenade zu spüren.Was den Hörer aber wohl am meisten irritieren dürfte: Mitten in dieser Wonne an Musik bricht auf einmal die Elegie selbst sich Bahn. Ein Choralthema als dritter Satz, in der Mitte unterbrochen von einer Kantilene, die zuerst in den hohen Streichern zu hören ist. Hätte man diesen ernsteren Ton nicht als zweiten Satz erwartet? Anstatt des Walzers? Ist es der Katzenjammer, der nach der rauschenden Ballnacht eintritt, wenn man bereit ist die Sünden der Nacht zu büßen? Wer weiß. Durch die langsame Einleitung des letzten Satzes wird diese Atmosphäre ein wenig aufgenommen. Das mit “Tema russo” überschriebene Werk beinhaltet zwei Volkslieder, die Tschaikowski schon für Klavier zu vier Händen bearbeitete – in den 50 russischen Volksliedern für Klavier, Nr. 28 für die Einleitung und Nr. 42 für den Variationensatz.Seit der Uraufführung am 31. Oktober 1881 in St. Petersburg erfreut sich diese “Serenade für Streicher” großer Beliebtheit – vor allem der dritte Satz wird häufig von Balettchoreographen in Szene gesetzt. Dass das Leichte schwer zu machen sei trifft sicherlich zu. Manchmal ist die Unterscheidung zwischen E- und U-Musik allerdings dann doch kniffliger als man glaubt. Wie Tschaikowskis “Serenade für Streicher” eindrucksvoll beweist.Logo: Susanne Hayduk

Tourneemuisk | Ludwig van Beethoven | Klavierkonzert Nr. 4 G-Dur op. 58

Christoph Müller-Girod — Wed, 03 Jun 2009 00:00:00 +0000

Foto: Christoph Müller-Girod, Probe Kongresszentrum Vilnius
Wer heutzutage stöhnt, dass Konzerte einem viel zu lange dauern würden, der hätte bestimmt am 22. Dezember 1808 nach der Hälfte des Konzerts empört den Saal verlassen. Immerhin standen damals Auszüge aus Beethovens Messe C-Dur op. 86, seine fünfte und sechste Symphonie, die Chorfantasie und – die Uraufführung des Klavierkonzertes Nr. 4 in G-Dur op. 58 auf dem Programm.

Nach dem überaus heroischem drittem Klavierkonzert ist das vierte Konzert ein überraschendes. Statt Pathos und Glamour steht hier ein schlichtes, lyrisches Thema im ersten Satz im Mittelpunkt. Welches dann auch noch als Erstes vom Klavier vorgetragen wird – anstatt dass das Orchester zuerst beginnt. Dabei hält sich Beethoven zwar an den formalen Sonatensatz mit allen seinen Regeln – doch beim Hören nimmt man diese Regeln gar nicht mehr wahr, stattdessen hört man atemberaubt auf das, was Beethoven macht. Das lyrische zweite Thema, die verschiedenen kleinen Themen die auftauchen und verschwinden und zuletzt die Kadenz. Wobei: Beethoven hat zwei Kadenzen zum Werk geschrieben – der Pianist kann also wählen ob er eher die themenbezogenere wählt, die gegen Ende virtuos wird oder die zweite, die “Triolenkadenz”.Während im ersten Satz Orchester und Klavier miteinander spielen, so überlappen sich im zweiten Satz diese beiden Beteiligten kaum. Das unbarmherzige Unisono im Orchester stemmt sich gegen die Lyrizität des Solisten. Es ist ein Gegeneinander anstatt eines Dialogs, nur ganz am Ende der einzelnen Phrasen scheinen sich die Beiden kurz zu berühren. Die Radikalität dieses Satzes erschüttert, gleichzeitig aber gewinnen die lyrischeren Passagen des Klaviers mehr und mehr an Raum – “durch die Dunkelheit zum Licht” ist wohl das Motto dieses zweiten Satzes.Da ist das Rondo dann doch eine Erleichterung: Ein etwas zaghafter Anlauf im Klavier, dann aber jubiliert der Solist. Und das Orchester mit, die Schatten des zweiten Satzes sind vergessen und wenn der Solist dann die Kadenz – Improvisationen Beethovens, die er aufschrieb – spielt, scheint die Düsternis des zweiten Satzes endgültig verschwunden. Mit der Pretostretta klingt das Konzert dann aus.Logo: Susanne Hayduk