Photo: Arne Støset-Gjone

Sie kommen aus dem Land der Wälder, Fjorde, Berge, Trolle, des Erdöls und der Fischerei. Bei ihrem Konzert in Duisburg am kommenden Montag, dem 4. Oktober 2010 um 20 Uhr in der Philharmonie Mercatorhalle nimmt das Sinfonieorchester Kristiansand aus Südnorwegen unter der Leitung des norwegischen Komponisten und Dirigenten Rolf Gupta seine Zuhörer mit auf eine Reise durch Europa.

Mit Beethovens Sinfonie Nr. 3 Es-Dur op. 55 „Eroica“ gibt es einen Abstecher nach Frankreich. Einst ein Bewunderer Napoleons widmete Beethoven diese Sinfonie dem französischen Feldherrn, so weist sie unverkennbar französische Elemente auf. Mit der selbstinszenierten Krönung Napoleons zum Kaiser schlug die Bewunderung allerdings in Verärgerung um. Die Widmung nahm Beethoven jedenfalls zurück. Er wollte nunmehr die Verwirklichung der Ideale Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit musikalisch zum Ausdruck bringen.

Nach Finnland geht es dann mit dem Violinkonzert von Jean Sibelius. Dabei ist es stilistisch weniger nordisch als vielmehr spätromantisch. Jedenfalls zählt das Konzert zu den großen Violinkonzerten des 20. Jahrhunderts, obwohl es anfangs bei den Kritikern durchgefallen war und erst nach einer Überarbeitung überzeugen konnte. Seitdem hat es einen wahren Triumphzug durch die Konzertsäle genommen.

Ganz neue Töne hört man hingegen bei der deutschen Erstaufführung eines Auftragswerkes des Sinfonieorchesters Kristiansand an den 1976 in Norwegen geborenen Komponist Björn Morten Christophersen. Lassen Sie sich überraschen.

Solist des Konzertes ist der österreichische Geiger Benjamin Schmid, der neben seiner Tätigkeit als Solist und Kammermusiker auch ein begeisterter Jazzgeiger ist.
Die Karten kosten zwischen 9.00 und 36,00 Euro, ermäßigt 5,00 bis 18,50 Euro und sind im
Servicebüro im Theater Duisburg, Tel. 02 03 – 3009 – 100 zu bekommen.

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Foto: Christoph Müller-Girod

Das 2. Profilekonzert mit dem Brendel-Quartett bot an diesem Sonntag-Morgen durchaus ernste Musik. Teils mit Hans Werner Henze herausfordernd, teils mit Hindemith ironischparodistisch – der Höhepunkt aber war die Uraufführung des Quartetts von unserem stellvertretendem Solo-Cellisten Friedmann Dreßler. Begleitet wurde das Konzert von Texten Ingeborg Bachmanns, vorgetragen von Wolfram Boelzle.

Besonders stolz dürfen wir heute sein, denn eine Uraufführung eines Orchestermusikers hat nicht jedes Orchester zu vermelden. Nach der Bearbeitung von Wagners “Ring der Nibelungen” als “symphonischen Ring” hat Friedmann Dreßler sein “Quartett für Fagott, Violine, Viola und Violoncello” vorgestellt. Das Werk ist 2003 entstanden und die vier Sätze gehen ineinander über. Friedmann Dreßler weiß geschickt, wie man die Klangwelt des Fagotts nutzt und die sich eröffnende Harmoniewelt erinnert durchaus an diejenige der spätfranzösischen Romantiker. Dabei degradiert Dreßler die Streicher nicht zu reinen Begleitmaschinen sondern sorgt für ein Miteinander – im dritten Satz greift etwa die Violine die Motive des Fagotts auf. Es ist ein Werk, das sicherlich des öfteren im Programm zu hören sein wird.

Foto: Christoph Müller-Girod

“Die Wahrheit ist dem Menschen zumutbar” – eine Aussage von Ingeborg Bachmann über die gewiß manche Philosophen ihre eigenen Ansichten haben. Bachmanns Texte aber, die für diesen Morgen aus diesem Band ausgewählt wurden beschäftigten sich eindrucksvoll poetisch mit der Musik. Teilweise ironisch verstanden sie es dem Begriff “Musikstadt” neue Facetten abzugewinnen, das Hören an sich wurde beleuchtet und die Frage wann neue Musik eigentlich noch neu genannt werden darf. Gedanken, die sicherlich aus dem Beisammensein mit dem Komponisten Hans Werner Henze entstanden – neue Musik für eine neue Metropole lautet bekanntlich das Motto des Henze-Projekts im Rahmen von RUHR.2010.

Und neue Musik stand überwiegend auf dem Programm des Brendel-Quartetts, das wegen Krankheit einige Umbesetzungen hinnehmen musste. So erklangen Hans Werner Henzes “Neue Volkslieder und Hirtenweisen” für Fagott, Gitarre und Streichertrio – der Terminus “Neu” ist in diesem Falle doppeldeutig. Einerseits gibt es, wenn man die Bezeichnungen für die Stücke außer Acht lässt, keinerlei Bezug zu der Musik, die man mit diesem Genre – vor allem dem der Pastorale, gern gespielt zur Weihnachtszeit – verbindet. Es sind also keine Bearbeitungen alter Volksweisen wie Bartok sie gerne gemacht hat und auch andere nach ihm. Sie sind neu komponiert, wurzeln zwar vom Klang her und von der Behandlung der Instrumenten – das tiefe Fagott als Schalmei oder als keck auftrumpfendes Instrument im Ländler – her durchaus in der Tradition, aber es sind neue Erfindungen. Und sie sind neu, weil sie in den Rahmen dessen passen was wir als “Neue Musik” bezeichnen. Die Stücke Henzes sind dabei aber durchaus fasslich, es gibt Motive, Melodienbögen. Man muss einräumen, dass sich diese Musik nicht beim ersten Hören gleich erschließt, nein, aber sie bereichert durchaus.

Dass ernste Musik auch unterhaltend sein kann bewiesen die Stücke, die Paul Hindemith unter dem Titel “Minimax” zusammenfasste. Genußvoll werden hier Genres und Floskeln der Unterhaltungsmusik auf die Schippe genommen. So bietet die Ouvertüre zu “Wasserdichter und Vogelbauer” sämtliche Formeln einer Operettenouvertüre – Hindemith hat hier natürlich “Dichter und Bauer” sowie “Der Vogelhändler” im Titel verballhornt. Aus den “Alten Kameraden” wurden die “alten Karbonaden” und auch “Ein Abend an der Donauquelle” weist natürlich auf das Vorbild für dieses Stück hin. Wenngleich der berühmte Walzer hier auch nicht zitiert wird, es ist nur die Machart, die Hindemith übertrieben steigert und so aufs Korn nimmt. Im Endeffekt kocht jeder nur mit Wasser meint Hindemith wohl und stellt genüßlich dar, wie man diese Formenfloskeln zu parodistischen Zwecken nutzt. Ein vergnüglicher Abschluss.

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Keine Sinfonie beginnt so prägnant wie die Fünfte von Mahler: Die Trompete eröffnet den ersten Satz mit einem einprägsamen Motiv, dass aus Tonwiederholungen und vielen Sprüngen besteht. Was dann folgt kann durchaus als Auseinandersetzung zwischen Leben und Tod gedeutet werden. Schließlich beginnt die Sinfonie ja auch ausgerechnet mit einem Trauermarsch.

Dabei ist die Sinfonie dem breiterem Publikum eher durch das zarte, wunderschön filigrane Adagietto bekannt, in Viscontis “Tod von Venedig” spielt es eine tragende Rolle. Es bereitet in der Sinfonie nach dem tragischschönem ersten Satz, dem etwas lebhafteren zweiten und dem merkwürdig zwischen Ländler und Nachdenklichkeit schwankenden dritten Satz den Boden für das abschließende “frische” Rondo-Finale. Die Auseinanersetzung mit dem Tod und die Frage, was danach kommt prägt ein Teil des Schaffens Mahlers – den größten Ausdruck findet sich in den “Kindertotenliedern”, deren Traurigkeit fast nicht zum Aushalten ist. In dieser Saison haben wir schon die erste Sinfonie gehört, auch dort ist ein Trauermarsch zu hören. Bedenkt man, dass Mahler kurz vor der Komposition knapp dem Tod entronnen war so liegt es natürlich nahe hier eine Verarbeitung des Themenkomplexes Tod und Jenseits zu vermuten.

1901 erholt sich Mahler von einer schweren Operation in Maiernigg, wo er sich eigens zum Komponieren zurückzieht, ja, eine ganze Hütte lässt er sich nur für diesen Zweck dort bauen. Er beginnt mit der Arbeit am Trauemarsch. 1903 besorgt seine Frau Alma die Reinschrift und schließlich wird die Sinfonie unter der Leitung des Komponisten am 18.10.1904 in Köln aufgeführt. Ein Brief Mahlers an seine Frau schildert die Reaktion der Zuhörer: Die ersten zwei Sätze kamen nicht ganz so gut an, beim Scherzo gab es sogar Zischen. Angesichts der Ungewöhnlichkeit dieser Sinfonie, deren Hauptsatz eigentlich der zweite Satz ist, kein Wunder. Das tragisch Schleppende des ersten Satzes, das langsame Dahingehen der Streicher wird im zweiten Satz kontrastiert mit einer gewissen Vitalität, so, als ob im Angesicht des Todes, der sich da ankündigte, noch einmal die letzten Lebensreserven aktiviert wurden. Beide Momente finden sich im Scherzo, dass nach der aufsteigenden Bläsereinleitung zwar durchaus in den jubelnden Ländlerton verfällt, aber dieser wd immer wieder gebrochen. Immer wieder ein Nachdenken – das Hornmotiv etwa, ein Tasten nach den Dingen die Wert haben.Erwähnt haben wir das Adagietto schon. Hier ist der Ausgleich festzustellen – was bisher unter höchster Hektiv von Statten ging schenit in gemählichere Bahnen geflossen zu sein. Wenn man an der Stuation eh nicht ändern kann, dann lässt man es einfach zu – und im Rondo findet man dann zurück ins Leben. Ewas nachsnnender vielleicht, aber man hat sen Ziel ereicht.

Vorher waren einige Lieder aus “Des Knaben Wunderhorn” zu hörn – lautmalerisch geht Mahler hier zu Werke, lässt den Esel aus dem Orchester sein “I-A” ertönten, dann wieder nimmt er das Orchester zurück. Hier, wo erst die Sprache, dann die Musk vorherrschte illustriert Mahler den Sinn des Textes, deutet ihn durch die zusätzliche Ebene aus. Und auch hier ein Thema: Der Tod. Soldaten marschieren noch als Skelette weiter, abschiednehmend ahnt ein Soldat, dass er sene Liebste wohl nicht wiedersehen wird. Als Mahler die Kindertotenlieder schreibt kann seine Frau Alma das nicht begreifen: Schließlich sind die eigenen Kinder wohlauf und gesund, Gott solle man dafür danken – und dann diese Texte. Wir, die wir einigen Abstand zu diesen Dingen haben erkennen aber die Sehnsucht und die Aussage Mahlers, dass nach dem Ende doch etwas kommen möge. Und sei es nur ein Abglanz des Himmels in unzulänglichem irdischem Gewand – so wie das Adagietto.

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Foto: Christoph Müller-Girod

Dass Musik über die Grenzen von Sprachen und Kulturen hinweg Brücken baut ist vielleicht eine Platitüde, aber wahr und stimmig ist diese Behauptung dennoch. Ein Beweis dafür war die Tournee unsere Orchesters im letzten Jahr, die das Webteam damals begleiten durfte. Jetzt erfolgte der Gegenbesuch der Litauischen Staatsphilharmonie im Rahmen eines Staatsaktes zur Feier zweier Städtepartnerschaften: Vilnius und Portsmouth.

25 – Vilnius – und 60 Jahre – Portsmouth – sind diese übergreifenden Beziehungen alt geworden. Gewürdigt wurde dies durch die Tatsache, dass Councillor Paula Riches, Lord Mayor of Portsmouth und Ratsherr Arydas Saltenis, Vorsitzender des Ausschusses für Kultur, Bildung, Sport und Jugend im Rat der Stadt Vilnius sich feierlich ins Goldene Buch der Stadt Duisburg eintrugen. Zu Beginn dieser Zeremonie machte Oberbürgermeister Adolf Sauerland deutlich, dass Städtepartnerschaften keineswegs veraltet, gar überholt seien. Gemeinsame Erlebnisse und der Austausch von Erfahrungen – diese Kernpunkte wären auch in der modernen durch die Technik enger zusammengerückten Welt unerlässlich. Councillor Paula Riches überbrachte die Grüße an die Kulturhauptstadt 2010 aus Portsmouth, sie richtete auch Worte des Beileids an die Angehörigen und Opfer der Loveparade-Katastrophe. Ratsherr Arydas Saltenis hob den Aspekt der Internationalität hervor, wobei Litauen diese als noch recht junge eigenständige Nation besonders freue.

Zur Einführung spielte Roland Stangier aus Gustav Holsts „Die Planeten“ den Satz „Jupiter, der Bringer der Fröhlichkeit“ in der von Stangier angefertigten Transkription für Orgel. Es ist immer wieder überraschend, wie gut unsere Orgel die Klangfarbe eines Orchesters imitieren kann. Besonders bei einem solch geschickt instrumentiertem Satz wie diesem, der den Bearbeiter natürlich dann nochmal vor eine ganz besondere Herausforderung stellt. Man darf getrost vermuten, dass Stangiers Bearbeitung bald desöfteren in Konzerthallen zu hören sein wird. Wer beim Hören des Mittelteils, des Trios, an England und die Last Night of the Proms denken muss liegt so falsch nicht: Mit dem unterlegtem Text „I vow to thee, my country“ – in etwa: „Ich schwöre dir, meinem Land, die Treue“ – gehört diese Melodie des öfteren zum Abschlussprogramm der Proms. Nach der Zeremonie dann konnte die Litausische Staatsphilharmonie unter der Leitung von Gintaras Rinkevisius beginnen. Beim Chopin trat dann der Solopianist Lukas Geniusas dazu.

Regen auf den Feldern

Mikalojus Konstantinas Čiurlionis Variationen über „Stretch away, Fields“ für Streichorchester sind ganz in der Romantik verwurzelt. Der litauische Komponist griff für das Thema auf ein altes Volkslied zurück, zuerst entstanden die Variationen nur für Klavier, später wurden sie für Streichorchester umgeschrieben. Čiurlionis hält sich dabei doch recht nah ans ursprüngliche Thema, taucht es in der zweiten Variation schon in eine getrübte Stimmung. Zum Ende hin fallen dann wohl leichte Regentropfen auf die besungenen Felder – die Celli und Kontrabässe zupfen hier in der Begleitung ganz sachte ihre Töne.

Elegant, verschwenderisch und brilliant – die Klavierkonzerte von Chopin sind in der Tat all das. Hier darf der Solist zeigen was er kann während das Orchester im Konzert Nr.1 für Klavier und Orchester e-moll op. 11 eher begleitende Funktion hat. Sicherlich hört man wie im ersten Satz desöfteren ein Instrument heraus, ebenfalls sind die harmonischen Fundamente glänzend instrumentiert – aber der Star bei diesem Konzert ist das Klavier. Und im ersten Satz bereitet das Orchester die Bühne für diesen Star gebührend vor. Eine romantische Klangfülle dann im zweiten Satz, die perlende Klavierbegleitung darf hier laut Chopin zufolge dolcissimo, leggierissimo und legatissimo sein – ganz zart also – allerdings ist auch durchaus Forte vorgeschrieben. Wer versucht, den Takt des dritten Satzes beim Zuhören ermitteln zu wollen wird auf eine harte Probe gestellt. Verraten sei hier, dass Chopin sich eines Tanzrhythmus bedient: Des Krakowiaks, eines polnischen Volkstanzes. Und bei dem gibt’s eine kleine Besonderheit. Der Krakowiak wechselt nämlich sehr gerne aus dem eigentlich vorgesehenen Zwei-Viertel-Takt durch übergebundene Noten in einen Drei-Viertel-Takt. Ähnlich wie bei etlichen Zwiefachen in Bayern übrigens. Der verschobene Rhythmus macht aus dem dritten Satz natürlich etwas Besonderes, aber immer noch steht eindeutig das Klavier im Mittelpunkt. Rasante Passagen, Dreiklangsbrechungen in Sechzehnteln gegen Ende – wahrlich ein Virtuosenkonzert.

Der Geist Amerikas

Ob die Sinfonie Nr. 9 von Dvorak zu Recht ihren Beinamen trägt? Sicherlich, sie stammt „Aus der neuen Welt“, geschrieben während eines Lehraufenthaltes von Dvorak in den USA. Doch finden sich in ihr keine amerikanischen Volkslieder oder Gospelklänge, Dvorak hat dies auch festgestellt: „Aber den Unsinn, dass ich indianische oder amerikanische Motive verwendet hätte, lassen Sie aus, weil das eine Lüge ist“. Dennoch verbreitet die Sinfonie einen amerikanischen Geist. Einerseits durch die Themen – wer denkt bei den schmetternden Trompeten und Bläsern im letzten Satz nicht an die rettende Kavallerie, beim zweiten Satz, dem weltbekanntem Largo, eröffnen sich die Weiten der Prärie. Den Geist der Spirituals und Gospels kann man durchaus hören – die zahlreichen Synkopen im 1. und 3. Hauptthema des ersten Satzes erinnern an diese. Die sehr klare Stuktur der Sinfonie und ihrer Themen ermöglicht es dann auch die zahlreichen Rückgriffe zu hören, die Dvorak macht. Hauptthemen von vorigen Sätzen tauchen erneut auf und werden im letzten Satz zusammengeführt. Einen kleinen Ausflug in das heimatliche Böhmen erlaubt sich Dvorak im dritten Satz, dessen Trio mit den Klarinetten-Klängen an die dortige Volksmusik erinnert. Eine Hauch von Sehnsucht vielleicht bevor wieder der Geist Amerikas Einzug ins Orchester hält.

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Foto: Christoph Müller-Girod

Nach Joaquin Clerch trat bei unserem Opern-Air-Sommer-Night-Prom Lucia Aliberti auf die Bühne. Spezialisiert hat sich die Sopranistin auf Rollen aus dem Belcanto-Fach. So waren an diesem Abend unter anderem Arien von Bellini, Verdi und Puccini zu hören. Verdis neunte Oper Attila hat eine interessante Geschichte. Der Stoff basiert auf einem Theaterstück von Zacharias Werner. Verdi fand, dass dies ein idealer Opernstoff wäre und schickte an den Librettisten Franceso Maria Piave einen Entwurf mit Vorschlägen wie man den Stoff für die Oper noch ändern könnte. Allerdings – Piave war für das Libretto von “Alzira” verantwortlich – ein Misserfolg. So disponierte Verdi für “Attila” um und nahm Kontakt zu seinem Librettisten Solera auf, der unter anderem an “Nabucco” gearbeitet hatte. Dieser machte sich dann an die Arbeit, doch den letzten Akt ließ er der Liebe wegen liegen. Denn seine Frau, die Sängerin Teresa Rosmina, war kontraktbrüchig an der Scala geworden und die Eheleute zogen deswegen nach Madrid. Ironie des Ganzen: Für den letzten Akt wandte sich Verdi wieder an Piave. Zwar bezeichnete Solera den letzten Akt als eine “Parodie”, gab er dem Ganzen seinen Segen.
Lucia Aliberti sang als erstes in unserem Konzert die Auftrittsarie der Odabella aus dem Prolog der Oper. Rachegedanken beherrschen sie, denn Attila hat ihren Vater ermorden lassen. Kampfeslust und Wut hat Verdi in dieses Stück gelegt. Italienische Frauen, so der Tenor des Ganzen, werden sich nicht vor Attila ducken sondern gegen ihn angehen. Eine Paraderolle für Lucia Aliberti.

Mehr noch die bekannteste Arie aus Bellinis “Norma” – “Casta Diva”. Während unser Orchester die Ouvertüre spielte, sang Lucia Aliberti diese Arie, in der die Seherin Norma im ersten Akt der Oper die gallische Göttin Irminsul um ein Zeichen bittet. Die Gallier brauchen nämlich ein solches um gegen die Römer zu kämpfen – aber Norma wird ihnen sagen, dass die Göttin dies zumindest jetzt noch nicht will. Es ist eine seelenvolle Arie, die Bellini hier komponiert hat. Die Hauptmelodie wird von der Flöte vorweggenommen – ein Hauch von Nachtruhe strömt aus dem Orchester und Normas Gesangsmelodie hält sich auch überwiegend an diese traumhafte Atmosphäre. Ein Schimmer des Göttlichen und eine Paraderolle für Lucia Aliberti.

“Raggio d’amore” – eine Eigenkomposition von dem Belcanto-Star stand dann auf dem Programm. Ein Stück im Stil des klassischen Belcanto gehalten und ebenso eingängig und leicht wie die Werke, die bisher auf dem Programm standen. So wie nochmal Bellini. Zwei Monate komponierte er an “La sonnambula”, der Schlafwandlerin. Das Finale dieser Oper ist wahrlich schwindelerregend – denn die Sängerin, die die Rolle der Amina singt sollte eigentlich schlafwandlerisch auf dem Dach eines Hauses balancieren und gleichzeitig dem von ihr angebeteten Bauern Elvino die Liebe erklären. Lucia Aliberti blieb bei unsererem Konzert jedoch auf festem Boden, die Schlussarie der Amina, in der sie ihr Glück besingt brachte unser Konzert dem Finale entgegen.

Wobei: Puccinis “Mio babbino caro” aus Gianni Schicchi und das Vilja-Lied gab es als Zugabe. Die Herzen der Zuschauer eroberte unser Gaststar dann durch die zweimalige Aufführung des Trinklieds aus Verdis “La Traviata” – mit singender Unterstützung von Hendrik Vestmann – bevor dann als letztes Stück unser Orchester das Hauptthema aus “Fluch der Karibik” zum Leuchtfeuer des Feuerwerks darbot.

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Foto: Christoph Müller-Girod

Im ersten Teil des Berichts über unser Open-Air-Sommer-Night-Proms-Konzert werden wir den Focus auf die erste Hälfte des Programm mit Joaquin Clerch richten. Dessen Eigenkompositionen und vor allem die Interpretation des zweiten Satzes aus dem Concierto de Aranjuez zeigten die Vielfalt des Konzertes auf – zu hören waren südamerikanische Melodien und klassische Gitarrenklänge. Jerónimo Giménez y Bellidor ist hierzulande als Komponist kaum bekannt. Dies mag daran liegen, dass seine Hauptwerke Zarzuelas sind – eine ureigenste spanische Musiktheaterform, die man in die Nähe der Operette rückten könnte. Das Intermezzo aus einer seiner bekanntesten Zarzuelas, der 1897 entstandenden “La Boda del Luis Alonso”, eröffnete unser Open-Air-Konzert. Feurig und rhythmisch kommt es daher, eng mit der Tonsprache Spaniens verwurzelt und durchaus in der Nähe der Volksmusik. Hendrik Vestmann brachte die Stimmung des Stücks genau auf den Punkt.

Einen krasseren Gegensatz kann man sich dann kaum vorstellen, denn der zweite Satz aus dem “Concierto des Aranjuez” für Gitarre und Orchester ist gefühlvoll, anmutig, ruhig. Es ist ein Klagegesang, der aus dem Orchester zu hören ist, ein Bittgegebet um Hoffnung und Erlösung. Das Englischhorn gibt das Thema vor, das von der Gitarre dann aufgegriffen wird und das später in den Streichern zu voller Größe anschwillt. Trauer und Melancholie in h-moll. Der Kunstgriff Rodrigos dabei: Die Gitarre wird stets nur von kleinen Teilen des Orchesters begleitet um stets hörbar zu bleiben. Wenn sie nicht, wie zu Beginn, solo das Thema aufnimmt.

George Gershwin ist nicht unbedingt als Komponist von feurigen Klängen aus Cuba bekannt – aber 1931 schrieb er ein Stück, dass zuerst “Rhumba” hieß und später den Namen “Cuban Ouverture” – Kubanische Ouvertüre also – erhielt. Gershwin brachte die Klänge und Ideen für dieses Stück aus einer Reise nach Kuba zurück, wo er mit 33 Jahren Ferien machte. Das aus der Rumba dann die Ouvertüre wurde verdanken wir der Metropolitan Opera. Drei Monate nach der Uraufführung am 16. August 1932 nämlich gab es dort ein Benefiz-Konzert – und Gershwin widmete das Stück dann mit neuem Titel für diesen Zweck um.
Die “Ouverture” kam nicht nur bei den Kritikern sehr gut an. Das Stück mit seiner A-B-A-Form zeigt, dass Gershwin sich intensiv mit den kontrapunktischen Elementen der kubanischen Musik beschäftigt hat – zudem brachte er auch einige Instrumente nach Amerika, die man vorher nicht kannte. Ein Meisterstück: Der Übergang zum ruhigeren zweiten Teil eingeleitet von der Soloklarinette mit deutlichen Anklängen an die Blues-Harmonik. Im Finale dürfen dann vor allem die Bläser strahlen, denn mit ihnen und der Wiederholung des ersten Themas geht das Stück seinem Ende entgegen. Man sollte es ruhig öfters ins Programm nehmen, die Schlagwerker im Orchester werden es danken. Zumal laut Gershwin gerade diese ja eigentlich vor dem Orchester stehen sollten…

Eine hinreißende Hommage an Paco de Lucia und dessen Flamenco-Gitarre folgte. Clerch zeigte sich aber nicht nur als Interpret fremder Werke sondern auch als Komponist – so gingen die zwei nächsten Stücke auf Schlagermelodien aus seiner Heimat zurück: “La Noche Cubana” und “Madrugada”. Ersteres beinhaltet Elemente des Jazz in sich und überrascht durch die Rauheit der Instrumentation.  “Madrugada” ist ein Medley aus verschiedenen kubanischen Schlagermelodien – hier kam dann der typische kubanische Sound zum Tragen.

Im zweiten Teil des Berichts wenden wir uns dann Lucia Aliberti zu – unter anderem sang sie “Casta Diva” aus Norma und zeigte sich im Finale des Konzerts beschwingt zu den Klängen von “Tico Tico”.

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Es ist an der Zeit ein Geheimnis aufzuklären. Ein Geheimnis, das die letzte Woche das Blog und die Webgemeinde beschäftigt hat: Was verbirgt sich hinter Web@psst? Vielleicht haben Sie es schon geahnt, vielleicht auch schon gewußt. Hinter Web@psst verbirgt sich unter spezielles Open-Air-Sommer-Proms-Konzert “Südwärts! Vom Hafen der Kulturhauptstadt zu sonnigen Gefilden”. Frankreich, Spanien, Italien und Sizilien sind die Orte zu denen wir Sie mitnehmen möchten. Zusammen mit Hendrick Vestmann und unserem Orchester sind an Bord dieser Reise der kubanische Star der klassischen Gitarre Joaquin Clerch. Der aus Kuba stammende Gitarrist wurde am 8. August 1965 in Havanna geboren. Ebendort in Kuba studierte er Gitarre, Musik und Komposition, er schloss seine Studien an der Hochschule der Künste im Jahre 1989 ab.

Der lyrisch dramatische Sopran von Lucia Aliberti verleiht Arien aus der Belcanto-Ära einen ganz eigenen Charme und Zauber. Die internationale Kritik hat ihre besondere Bühnenpräsenz hervorgehoben. Dabei hat sie sich besonders auf das Werk des Komponisten Vinzenzo Bellini konzentriert, doch auch Donizetti, Rossini und Verdi gehören zu ihrem Repertoire. Und werden mit Sicherheit auch im Proms-Konzert zu hören sein.

Mit Sicherheit können wir schon verraten, dass Hans Zimmers “Fluch der Karibik” auf dem Programm steht – und es gibt den wunderbaren zweiten Satz aus dem “Concierto de Aranjuez” von Joaquin Rodrigo. Zudem wird noch Orchestermusik von Manuel de Falla, George Gershwin und Gioacchino Rossini zu hören sein. Wir können noch nicht sagen ob Petrus bei diesem Programm nicht doch ein Auge zudrückt – wir wissen aber, dass bei diesem temperamentvollem Programm schlechte Laune einfach über Bord gehen wird.

Karten für unser Sommer-Proms-Konzert bekommen Sie für den Vorverkaufspreis von 15,00 €, Abendkasse 19,00 €  im Servicebüro im Theater Duisburg am Opernplatz, Neckarstr. 1. Natürlich auch telefonisch unter 0203-3009-100, im Opernshop ebenfalls, dann wählen Sie bitte die 0203-57 06-850. Sie können die Karten online über unsere Webseite bestellen oder sie schauen bei der Lotto Annahmestelle Grafen, Weinhagen 21, 47119 Duisburg vorbei.

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Manchmal muss man viel reisen, um unterschiedliche Kulturen und deren Menschen kennen zu lernen. Ein anderes Mal begegnet man Menschen der unterschiedlichsten Kulturen direkt vor der eigenen Haustür: So auch am 9. Mai 2010 um 17 Uhr in der Philharmonie Mercatorhalle. In den vergangenen drei Jahren haben Migrantinnen und Migranten im Theater Duisburg in der Konzertreihe „Polyphonie“ die Lieder ihrer Leben gesungen. Nun kommt es zum großen Abschlusskonzert dieser Reihe.

Rund 75 Sängerinnen und Sänger aus 16 verschiedenen Nationen, darunter die Niederlande, die Türkei, Dänemark, Russland, Italien, Griechenland, Südkorea, Spanien, den Kapverden und Indonesien, präsentieren die Musik und das Lebensgefühl ihrer Heimat.Mit dabei sind beispielsweise Chöre aus Korea, Persien, den Niederlanden und ein großer internationaler Chor. Aline Asvian singt Chansons der großen Sängerin Edith Piaf, Daniel Tsah aus Israel singt Lieder aus seiner Heimat, ebenso wie Arkadij Kazinski und Viktor Guriev aus Russland sowie Ayse Wiesner aus der Türkei, Claudio Limura will sein Publikum mit dem italienischen Lied „Grazie“ verzaubern.

Das Polyphonie-Konzert in der Philharmonie Mercatorhalle Duisburg ist in diesem Jahr offizieller Programmpunkt der Kulturhauptstadt Europas RUHR.2010 und eben Höhepunkt einer insgesamt dreijährigen Entdeckungsreise. Sie führte zu den musikalischen Schätzen von Gesangstalenten aus aller Welt. Neben ihrer Leidenschaft für Musik ist den begabten Laiensängerinnen und -sängern eines gemeinsam: Alle haben im Ruhrgebiet eine neue Heimat gefunden und zählen zur älteren Generation.

Zu Gast sind auch 15 talentierte Sängerinnen und Sänger aus Rotterdam, die sie sich an dem niederländischen Partnerfestival Euro+ beteiligen. Euro+ ist Vorbild und Ideengeber für „Polyphonie”.  Das Generalkonsulat der Niederlande unterstützt seit 2008 diese deutsch-holländische Partnerschaft.Begleitet werden die Solisten und Gesangsensembles vom Kammerorchester der Duisburger Philharmoniker sowie hochkarätigen Jazz- und Weltmusikern. Wie bereits 2008 und 2009 wird der Musiker und Komponist Bojan Vuletic künstlerischer Leiter sein und das Publikum mit einem außergewöhnlichen Konzertprogramm zu überraschen wissen.

Das visuelle Bühnenkonzept gestalten die Künstler Danica Dakic und Egbert Trogemann. Eine Videoinstallation  folgt auf bildlicher Ebene dem musikalischen Konzept von Bojan Vuletic. Filmische Porträts der Sängerinnen und Sänger, die hier auftreten, spüren zugleich der kulturellen Vielfalt und der jeweiligen persönlichen Individualität nach. Die sachliche Atmosphäre der Mercatorhalle wird in eine Bühne der Vielstimmigkeit verwandelt.

Die Karten für das Konzert kosten 5 Euro und sind im Servicebüro des Theaters Duisburg an der Neckarstraße 1, Telefon 02 03 – 3009 100 oder im Opernshop an der Düsseldorfer Straße, Telefon 02 03 – 57 06 850 zu bekommen.

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Foto: Christoph Müller-Girod

Auf der Bühne wirken die kleinen Sänger des Christ Church Cathedral Choir hochkonzentriert, diszipliniert und professionell. Jenseits der Bühne sind sie ganz normale Kinder, die sich hier in Duisburg fürs Legoland und den Zoo begeistern konnten. Wie ist es, ein Oratorium vor großem Publikum zu singen? Dirigiert Jonathan Darlington anders als sein Bruder Stephen? Und wünschen sich die kleinen Sänger auch für später eine Karriere als Musiker? Zwei der Chorknaben gaben uns darauf gestern – ganz professionelle – Antworten . Zum Video…

Video:  Bernd Uhlen (DMG)

Weiter Informationen über den Chor gibt es hier. Im Foyer der Mercatorhalle kann man vor dem Konzert und in der Pause CDs des Chores erwerben.

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Beim 7. Philharmonischen Konzert arbeiten die Gebrüder Darlington zum ersten Mal zusammen: Stephen Darlington, der Leiter des Christ Church Cathedral Choir aus Oxford, und Jonathan Darlington, Generalmusikdirektor der Duisburger Philharmoniker, ernteten gestern Abend Standing Ovations für ihre Interpretation von Haydns Oratorium “Die Schöpfung”. Eine kleine Premiere war auch das Interview gestern Nachmittag: Wann interviewt man schon mal seinen eigenen Bruder? Zum Video …

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